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风光摄影的六大命题(转)  

2011-01-25 10:53:20|  分类: 行摄之路 |  标签: |举报 |字号 订阅

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风光摄影,只有真正深入进去,并且怀着严谨的、不功利、不浮躁的心态去拍摄,才能真正体会到其中的奥妙。

 

——拍摄风光,可以顺带享受山水野趣;

——拍摄风光,要背着几十斤重的器材爬山涉水,顺便就起到了健身的作用。

对于什么是“有感觉”,我自己是这样来判断的:

——我是否拥有了拍摄这类题材必备的器材和拍摄技能?

——我是否掌握了对这个领域的作品的普遍性评价标准和评价方法?

——我是否在这个领域研究了足够多的代表性作品,从而对于自己的作品能否跨入公众及专业圈认可的最低门槛有所判断?

——我是否能从拍摄这类题材的过程中获得金钱以外的收获?

——我是否确定,即使将来得不到任何经济回报,我仍然会长期地、甚至默默无闻地投入到这类题材的拍摄?


 

1、曝光:由准确到正确

多数情况下我测光的手法是:

——先锁定构图;

——先后点测画面中有细节的最高光处、有细节的最暗处曝光值,分别储存;

——观察两个值之间的差值;

——如果差值没超过胶卷的宽容度(通常反转片是5档,黑白片是7档),那就取其平均值,以这个平均值来曝光,多数情况下是“准确”的;

而要想获得“正确”的曝光,就要根据主体受光情况、构图中暗部和亮部面积各占的比例大小来对平均值进行微调。通常,主体处在暗处、或画面中暗部面积居多,就要适当增加曝光(1/3至1/2档);反之亦然(1/3至1档)。要注意的是,这个补偿的方向是与用机内多区测光的情况下相反的,因为后者在测光时已经计算了面积因素。

——如果超过了胶卷的宽容度,就要看是否能用渐变灰镜压低亮部从而降低光比,否则就只能在亮部和暗部之间进行取舍了,这取决于死白和死黑之中哪个部分的存在不影响作品的创作意图。


2、如何获得清晰的画面

——准确对焦,必要时手动对焦;

——风光作品很多情况下要求全程清晰,所以镜头的焦距越短、所用的光圈越小,就越有助于获得大景深,画面看起来就越清晰。使用大画幅技术相机,在这方面优势更大。但有一种说法是:最小的一档光圈下画质会下降,所以我在谋求最大景深时,往往用倒数第二档光圈,比如最小光圈F/32的镜头,我用F/22来拍摄。

——除非必要建议少用滤镜,慎用多片滤镜叠加,尤其不建议为了保护镜头一直套着UV镜拍摄;

——尽可能使用遮光罩;

——相机有反光板预升功能者,每次都使用它,不要嫌麻烦;

——坚持使用快门线/快门遥控器,养成带上备份才出门的习惯(有时朋友还能沾你的光);

——经常检查云台与三脚架的连接是否结实,云台和三脚架的工具要带在身边备用;

——选用结实的三脚架。使用时,优先展开口径较粗的管段,不到万不得已不升中轴;

——支三脚架时,选择结实的支点(如果是泥沙地,最好垫之以石块、砖块);

——风大时挡在上风按快门,有车辆通行的话在通过前/后200米开外按快门等等。

 

3、适当使用滤镜以获得预期效果

无论胶片机还是数码机,偏振镜目前还是必备的滤镜。用它可以:

——降低水面反射从而加深水面颜色;

——清晰地拍出水面下的鱼类、石块、枯枝等;

——加深天空的蓝色;

——减轻雾霭对画面的影响;

——消除树叶等非金属物体表面的反光,加深其色彩饱和度。

    对于胶片机来说,渐变灰镜也是必备的,因为现场光比超出胶片宽容度的场合很多,这时如果没有它,就要后悔这趟白来了。


4、必要的后期处理技术

目前对于反转片作品来说,后期处理、输出有如下路径和环节:

路径一:冲洗>>>扫描>>>图片处理>>>打印输出

路径二:冲洗>>>直放出图

首先不管哪个路径,反转片的冲洗环节是非常关键的。有以下不良记录的冲印店应该坚决予以抵制:

——给底片造成连续划痕的;

——冲洗不同厂家的胶片之间不按规定更换药液,导致胶片变色或变质的(很遗憾,这方面如果不吃亏是无法事先认定的,建议入门者多请教资深摄影人士)。


5、器材选择/胶片还是数码

器材选择方面,我个人更多是希望拍出好作品,器材只是我的工具而已,所以我从不拘泥于某个品牌。当然,对于有条件、有兴趣的朋友,购买高价的名牌器材也无可厚非,名牌器材可以给自己增强信心,还有把玩和收藏的价值,何乐而不为呢?然而对于没有这方面需求的朋友来说,也大可不必自惭形秽,好消息是过往的传世之作基本上很少标明、也很少有人关心它们是什么器材拍摄出来的。

我的主力系统是两套宾得645机身共用6只镜头(30,35,45-85,120,200,2x),还有Fotoman617加尼康SW90/4.5,除617机身外都是淘来的二手货。我之所以选择宾得645作为风光摄影的主力系统,是觉得它在画幅大小、系统配套、便携性、性价比方面取得了完美的平衡。

 

 

无论是欣赏别人的作品,还是自己去拍摄作品,又或者审视自己的作品,我都要求自己从四个维度来衡量它:立意、构图、用光和色彩。可能还会有一些不同的说法,但是本质上几乎都可以归结到这四大方向。

1、立意
我理解的立意的涵义就是,在决定开始拍摄一幅作品前——无论这个时间多长或多短——作者必须部分或者全部地明确:

——这个场景里到底是什么东西/元素打动了我?

——核心元素是什么?不可或缺的辅助元素是什么?

——我得到了什么样的感受?

——这个直观感受是否能升华为某个视觉主题?

——别人会对这样的主题感兴趣吗?

——如果我决定记录并且传递这个主题,这个场景足够表达吗?

这里面包含了一个自我验证的过程。你可以允许部分人在一段时期对你的作品有不同的理解,但是你不能让所有人永远不理解它。

 

2、构图

——在立意过程中养成上述思考习惯,将极大地有利于帮助构图。比如,分清场景中的核心元素和辅助元素,就能帮助我们顺利地提炼出主体、陪体。实际上,很多情况下立意与构图是同步或穿插进行的;

——主体(兴趣中心)的位置必须突出。可以放在“黄金分割”的交点上,也可以放在画面正中或其他位置,完全视创作意图而定。

——只保留必要的陪体,使得画面简洁、有序;

——要注重画面的整体平衡感。当然,某些主题需要特意营造某种不平衡感,则不在此列;

——善于运用前后景、景深以及将观者的视线导向主体的视觉引导线等元素,营造画面的立体感。前景有时还能起到很好的平衡画面的作用;

——构图不要太满,风光摄影多数情况下画面要有留白;

——留意水平线在画面中的位置高低,以及是否处在水平状态;

——自己认为好的场景,我通常会横、竖构图各拍至少一张,以备不同用途;

——我从一开始就要求自己严谨构图,从不采取随意拍摄、后期再来做裁切出品的方式。因为,我希望能够直接用观片器或者幻灯机来和朋友分享自己的“成品”——无论它们水平高低,它们至少不是“半成品”。我不希望此时心有不甘而又满脸尴尬地向别人解释:“这张片子,其实如果你把它裁掉这些部分来看……还是可取的吧?”


3、用光

光影或影调效果好的作品,大多是有迹可循的:

——善用早晚光线,营造低色温、底反差的画面,比如早晚霞、长时间曝光作品;

——善用逆光或侧逆光,勾勒景物轮廓或制造剪影效果,增强画面的立体感;

——善用侧光在非平滑物体表面造成的明暗差异,凸显物体的质感;

——善用逆光凸显红叶、黄叶的色彩明度、饱和度以及树叶质感;

——借用穿过云层或物体缝隙的集束光对主体的照射,得到类似舞台灯光的效果。比如西部高原的小村寨,常常能遇到光线照亮了村落、而四周的山体和田野则隐在云层遮盖下的暗影里这样的场景;

——巧用物体在水面的倒影;

——用慢门或减光镜延长曝光时间,使得移动的物件产生拖尾效果、水流成绸缎状、浪花成云雾状、快速移动的云层模糊化、夜里的车灯形成光带……等等。

以上这些用光技巧,不外乎是在光线的色温(色彩)、方向(入射角度、直射/折射/反射)、强度、光通量、照射范围等方面做文章。



 

4、色彩

拍摄彩色照片的情况下,作品的色彩构成是又一大评价维度。评价色彩构成时,有两种截然不同的评价方向。

一说是,有强烈对比色的画面更引人“注目”。对比色通常是指互补色,比如青与红、品与绿、黄与蓝。每一对互补色混合后均会消色(即得到白色)。

另一说是:色彩和谐的画面更“悦目”。色彩和谐,通常指画面包含的色彩在颜色(即色彩种类)、纯度(指鲜艳程度)和明度(指处在白-灰-黑之间哪个位置)三种属性各自相近的情况:

——颜色相近。比如,同样是红色系的两种颜色,易于和谐;

——纯度相近。比如,两种中等纯度的颜色,比一高纯度和一低纯度更和谐;

——明度相近。比如,两种淡色,比一淡和一浓更和谐。

此外,一些心理因素会影响人们对于色彩的感知。比如,

——色彩面积的大小、形状和分布;

——各种色彩组合,当被看成抽象的形状、或看成可辨认物体的表现时;

——观看者的年龄、受艺术教育程度;

——长时间观看会产生适应性效应,从而混淆对色彩组合的吸引力的感觉;

——广告会引导人们对于色彩组合是否符合潮流的判断,等等。

黑白照片的情况下,三个颜色属性只剩下一个:明度。它和细节是否丰富(尤其是亮部或暗部的细节)、层次/过渡是否细腻、反差大小都有关。


上述四个基本要素中,那个要素最能体现作者的专业水准呢?

——立意:这是美学、哲学层面的问题,与作者和欣赏者各自的艺术修为有关,没有硬性的标准可言,所以可以先放到一边;

——用光:有明显的高光/暗部溢出的作品(某些特殊需要除外),当然不在我们讨论的范围内;

——色彩:基本上参见“立意”,只要搭配别太俗都可以。

所以,我的看法是:构图水平是区别“专业水准”还是“业余水准”的分水岭。当然,我这里说的“专业”、“业余”指水准而言,与职业无关。

一张片子,哪怕场景再好、光线和色彩再漂亮,如果构图上有硬伤的话,它终究还是“业余水准”的作品。


命题五、如何像大师一样去拍摄?

1、起点:用大师的标准来要求自己

何为摄影大师的标准?我的理解就是:从思维到手法。换句话说,要像大师那样去思考、去行动。

要了解大师们的思维,我特别推荐精读Frank Horvat所著《摄影大师对话录》,出版社还有少量库存。

手法方面的书就数不胜数了,建议多看国内外摄影师的著书和画册。

光阅读还不行,还要把它变成自己的东西,去实践。


 

2、终点:确立自己的拍摄目标

但凡能成为大师者,无不有自己的摄影理想——自己想在摄影领域做到什么、摄影在自己的生活中将占到什么地位?也都有自己的摄影理念——拍什么、不拍什么、如何观察事物、如何拍出自己的特色?还有自己的拍摄目标——拍摄哪些主题?如何去实现?

确立了阶段性的拍摄目标,就要把它落实成具体的拍摄计划。拍摄计划必须具体,有明确的时间表,有现实的可操作性。


 

3、中途:持之以恒地去努力

起点和终点都明确后,剩下的就是付诸行动了。

对多数有摄影追求的业余人士最大的挑战就是:摄影和生计如何取得平衡?这其中的取舍,才是真正的考验。

 

命题六、拍来做什么?

对这个问题的回答,会影响到自己的拍摄行为。通常会有三种类型的选择:

——完全以摄影为生计。这条路目前在国内还比较艰辛。有名气的职业摄影师们主要的收入来源还是讲座、带团外拍和出书。商业图片库对纯风光作品的需求量比之商业摄影素材要少很多。

——自娱自乐,完全不考虑作品的商业收入;

——潜心拍摄,但不放弃争取商业回报的努力。

任何一条路都有人走得通。摄影人都会面临这个选择,不能假装这个问题不存在,也不应该频繁地来回摇摆。

 

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